НАУЧНО-ТВОРЧЕСКАЯ КОНФЕРЕНЦИЯ:
«ПРОБЛЕМЫ, ТЕНДЕНЦИИ И ПЕРСПЕКТИВЫ РАЗВИТИЯ
СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА В ГОРОДСКОМ ОКРУГЕ ТОЛЬЯТТИ»

Резолюция
научно-творческой конференции
«Проблемы, тенденции и перспективы  развития современного  искусства в городском округе Тольятти»

В рамках подведения итогов Конференции участники считают необходимым обозначить  следующие проблемы в городском округе Тольятти:

- отсутствие специализированного помещения для размещения Тольяттинского художественного музея,
- отсутствие  условий  для  успешного развития сети художественных салонов  и  галерей для продвижения  на рынок культурного продукта,
- отсутствие механизмов партнерского сотрудничества творческих организаций  с  органами власти и бизнес-структурами,
- недостаточный  уровень  качества жизни горожан  для  удовлетворения  культурных потребностей,
- сохранение и создание новых творческих мастерских для художников.

Для решения проблем :
1. Органам местного самоуправления:
- при определении стратегии социально-экономического развития  городского округа Тольятти учитывать необходимость решения актуальных проблем сохранения и развития культурного потенциала как фактора  развития экономики и создания позитивного имиджа территории, 
- принять решение об определении земельного участка, проектировании и строительстве здания для Тольяттинского художественного музея и принять решение по реализации данного предложения,
- содействовать реализации проектов Тольяттинского государственного университета по созданию региональных центров развития художественного образования и дизайна через принятие решения о долевом участии в их строительстве и оснащении непроизводственным оборудованием,
- ввести в структуру мэрии ставки главного художника и главного дизайнера,
- принимать решение при строительстве в городе торгово-развлекательных центров по выделению площадей для развития выставочной деятельности. 
Департаменту культуры:
- создать постоянно действующий Организационный комитет по развитию современного искусства, состоящий из художников, дизайнеров, драматургов, музыкантов, представителей вузов и ССУЗов,  
- предусматривать при формировании планов и программ мероприятия  по расширению ресурсов отрасли культуры, реализации проектов в области  современного искусства на условиях партнерства,
- расширять систему просветительских мероприятий по современному искусству для различных категорий населения с вовлечением в координацию деятельности департамента образования, 
- информировать участников об итогах голосования и анкетирования, проведенного в рамках конференции,
- содействовать эффективному использованию выставочных площадок муниципальных учреждений,
- содействовать использованию площадок коммерческих организаций  для представления достижений  в области современного искусства,
- ввести отдельную тематическую номинацию в конкурс проектов «Творческая инициатива населения в сфере культуры-2008».    

2. Руководителям творческих союзов: 
 - активизировать проведение мероприятий для населения и мастер-классов для творческой молодежи, учащихся и студентов профильных образовательных учреждений,
- инициировать социокультурные проекты в адрес Министерства культуры и молодежной политики Самарской области, департамента культуры мэрии городского округа Тольятти,
- принять решение  по созданию Ассоциации творческих союзов.

3. Бизнес-сообществу:
- поддерживать творческие инициативы в области сферы культуры, направленные  на решение  социальных проблем города,
-  принимать активное участие в создании объектов культуры и искусства, 
- развивать партнерское взаимодействие с органами власти и творческими организациями в создании культурного капитала и позитивного имиджа города.

Одобрено большинством голосов 29.02.2008 г.

Содержание

НАУЧНО-ТВОРЧЕСКАЯ КОНФЕРЕНЦИЯ:
«ПРОБЛЕМЫ, ТЕНДЕНЦИИ И ПЕРСПЕКТИВЫ РАЗВИТИЯ
СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА В ГОРОДСКОМ ОКРУГЕ ТОЛЬЯТТИ»

Творческий союз художников «Солярис»

Творческий союз художников «Солярис» на конференции по развитию современного искусства г. Тольятти был представлен восемью художниками: тольяттинцами Березиным Олегом, Кинчаровым Анатолием, Лёзиным Михаилом, Верёвкиным Александром, самарцами Логутовым Владимиром, Колодочко Анастасией, саратовцем Сергеем Кравченко и профессором Гёссенского университета Йоханном Бидерманом из Германии.

В современном российском обществе новаторское искусство является своего рода спамом, то есть тем, что люди отвергают сразу. Художники ТСХ «Солярис» попытались выразить эту проблему, используя традиционные художественные методы (графика, живопись, фотография). Из современного искусства была использована инсталляция Сергея Кравченко: из бульварной литературы, найденной на улицах города, Сергеем были вырваны отдельные листы и скотчем прикреплены прямо к полу выставочного зала так, чтобы можно было читать, разглядывать написанное, в определенном порядке выстроенное автором. Наиболее кичевые выдержки были подчеркнуты маркером. И вся эта композиция была огорожена строительной желтой лентой с черными полосами.

Олег Березин представил мобилографию, выполненную с разрешением 0,3 мРх. Эти кадры были распечатаны на постеры и дорисованы акриловыми касками. Михаил Лёзин представил бело-красные абстрактные композиции, добившись эффекта вливающейся красной краски из картин к зрителям, а также пять коллажей, посвященных современным художникам, в том числе один коллаж посвящен самому Михаилу Лёзину. Сейчас эти пять коллажей переданы в дар Тольяттинскому художественному музею. Александр Верёвкин представил коллажи на холстах. Самарец Владимир Логутов выставил три холста, на которых в нелогичном порядке расположены буквы, как будто взятые с лозунгов советских времен. Анатолий Кинчаров, Анастасия Колодочко и Йоханн Бидерман представили фотографии на социальные злободневные темы современности.

О современном искусстве на конференции были сделаны доклады членами ТСХ «СОЛЯРИС»: Михаилом Лёзиным, Александром Верёвкиным и Владимиром Логутовым.

Из аннотации к выставке «СПАМ»: «В российском обществе современное искусство по сути является спамом, его стараются игнорировать, стирать из памяти, выбрасывать или просто не замечать. Произведения современного искусства в массовом сознании маркируются как сообщения, не несущие  никакой важной  информации, или же,  наоборот, несущие  информацию, которую лучше не воспринимать и не думать о ней».

Спам (англ. spam) – сообщения, массово рассылаемые людям, не дававшим согласие на их получение. В первую очередь, термин «спам» относится  к электронным письмам.

Олег Владимирович Березин,
президент автономной некоммерческой организации
«Творческий союз художников «Солярис»

Содержание

НАУЧНО-ТВОРЧЕСКАЯ КОНФЕРЕНЦИЯ:
«ПРОБЛЕМЫ, ТЕНДЕНЦИИ И ПЕРСПЕКТИВЫ РАЗВИТИЯ
СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА В ГОРОДСКОМ ОКРУГЕ ТОЛЬЯТТИ»

Искусство ХХ века: основные тенденции и мастера
(по материалам дипломных работ студентов ТГУ)

Еще не забыто время, когда студенты художественных отделений завершали изучение истории искусства реалистической школой XIX века. На языке искусствоведов хронологические рамки курса обозначались так: «От бизонов до барбизонцев» (напомню, что Барбизон – название деревушки под Парижем, где обосновалась группа французских художников –  основоположников реалистического пейзажа). Современное европейское искусство тогда ассоциировалось с импрессионизмом и постимпрессионизмом – художественными течениями конца XIX века. Собственно XX  век  в учебных программах (и музейных экспозициях) представляли отечественные мастера соцреализма и близкие к нему  «прогрессивные» западные художники. 

Сегодня ситуация, как известно, изменилась. Новые возможности – не только социально-политические, но и информационные – позволяют представить студентам картину развития культуры и искусства XX столетия  многогранно и полно. Отмечу, что меняется сама концепция изучения истории культуры: не «от прошлого к настоящему», а «в прошлое из настоящего посредством  диалога».  

В Тольяттинском госуниверситете история искусств изучается студентами трех специальностей: «Изобразительное искусство», «Дизайн (графический, интерьер)», «Декоративно-прикладное искусство (ювелирный дизайн)».  Кроме аудиторных занятий – лекций и семинаров – предусмотрены подготовка курсовых и дипломных проектов, написание рефератов, выполнение различных творческих заданий;  участие в проведении выездных музейных практик (Санкт-Петербург, Москва, Саратов, Самара, города Золотого кольца России и др.). 

Курс «Искусство ХХ века» является завершающим и включает четыре тематических раздела, которые отражают наиболее характерные явления и тенденции  в развитии художественной культуры столетия: 

1. Искусство конца XIX – начала XX вв.  Символизм и модерн.
2. Авангард как феномен культуры XX века. Основные направления художественного авангарда.
3. Искусство советской эпохи. 
4. Искусство конца XX века. Постмодернизм.

Попытаюсь кратко охарактеризовать содержание курса по разделам и  одновременно представить вам лучшие дипломные работы наших студентов, посвященные  искусству XX века.

1. Искусство конца XIX – начала XX века. Символизм и модерн.
 «Рубеж веков» – эпоха кардинальных изменений во всех сферах жизни, в том числе в искусстве. На смену реализму с его ориентацией на натуру приходит символизм, продолжающий традиции средневекового идеализма и романтизма начала XIX века.

Историю символизма студенты изучают на примере творчества таких европейских художников, как Пюви де Шаванн, Гюстав Моро, Одилон Редон, Эжен Карриер, Морис Дени,  Джеймс Энсор, Арнольд Беклин, Франц Штук, Густав Климт и др.; русских живописцев – М. Врубеля, В. Борисова-Мусатова, К. Петрова-Водкина, художников объединения  «Голубая роза» и др.

Пластическую форму дух символизма обрел в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве модерна. Стиль «модерн» отразил в себе противоречия переходной эпохи: с одной стороны, в нем ощущается растерянность и усталость (кто-то из критиков назвал этот стиль  «вздохом умирающего столетия»), с другой – он ознаменовал собой начало нового искусства.  Главным принципом модерна стала декоративная стилизация,  чаще всего это какой-либо растительный мотив, основывающийся на асимметрии удлиненных причудливых линий. Получив необыкновенное распространение на «рубеже веков», к двадцатым-тридцатым годам XX века модерн был вытеснен функционализмом и надолго забыт. И лишь с конца XX века  вновь переживает свое второе рождение.  

Общение со студентами показывает, что искусство эпохи символизма и модерна привлекает их своей загадочностью, изяществом форм, декоративностью, хотя является довольно трудным для понимания.
Хочу представить три дипломные работы по искусству этого периода, выполненные  в разные годы нашими студентами.   

Елесина Анастасия. «Символизм в европейском искусстве конца XIX – начала XX века» (2000 г.). Дипломная работа интересна попыткой рассмотреть символизм как целостное художественное явление, выявить и проанализировать связь разных видов искусств – живописи, поэзии, музыки, театра. Как известно, идея внутреннего единства  разных искусств была одной из главных в эстетике символизма. «Так запах, цвет и звук между собой согласны…» – писал в программном стихотворении «Соответствия» Шарль Бодлер. Мечта о единении (синтезе) искусств вдохновляла всех символистов, особенно М. Чюрлениса, А. Скрябина, А. Белого, В. Борисова-Мусатова, А. Блока и др. В методической части предлагается разработка интегрированного учебного занятия «Образ женщины в искусстве символизма (поэзия, музыка, живопись)». 

Мацевич Дарья. «М.А. Волошин: лики творчества» (2000 г.). Цель исследования – раскрыть феномен уникальной личности Максимилиана Волошина – яркого представителя Серебряного века русской культуры.  Творческий универсализм Волошина поражает: поэт, переводчик, художественный критик,  живописец и график, историк, библиофил,  лингвист, археолог, геолог, организатор-просветитель (создал Дом творчества в Коктебеле). Но все же главный его талант – «человеческий». «Макс сам был миф», – писала Марина Цветаева. С помощью художественных произведений, дневников, писем, мемуаров современников дипломница стремится воссоздать облик Волошина-человека, раскрыть его жизненную философию. Текст работы содержит множество иллюстраций, в том  числе авторские фото, выполненные в Коктебеле.

Гаврилова Татьяна. «Графика модерна» (2001 г.) Графика занимала особое место в искусстве модерна, в отличие от реализма XIX века, где безраздельно господствовала живопись. Модерн графичен по своей природе, так как главным выразительным средством здесь является линия. Графическое искусство модерна достигло высочайшего уровня и может служить сегодня настоящей школой мастерства для современных художников. В дипломной  работе Т. Гавриловой собран и систематизирован значительный материал, касающийся истории книжно-журнальной, плакатной, прикладной графики. Особое место уделено характеристике творчества Обри Бердслея, книжные иллюстрации которого признаны «квинтэссенцией стиля модерн». «Изюминкой» работы можно считать комплект фотокопий оригинальных номеров английского журнала начала XX века «THE SAVOY», который являлся в то время  одним из проводников нового стиля в Европе.

2. Авангард как феномен культуры XX века. Основные направления художественного авангарда.
Второй раздел посвящен авангарду – наиболее характерному явлению истории культуры прошлого столетия. Его цель – дать представление о смысле авангарда как социокультурного феномена; познакомить с историей европейского и русского авангарда в его основных направления (фовизм, кубизм, экспрессионизм, футуризм, дадаизм, сюрреализм, абстракционизм, поп-арт и др.); особое внимание уделить характеристике творчества мастеров русского и европейского авангарда (Матисс, Пикассо, Кандинский, Малевич, Татлин, Филонов,  Шагал и др.).   

Различные проблемы художественного авангарда стали предметом исследования в дипломных работах наших студентов.

Киреев Алексей. «Эстетические принципы сюрреализма» (2000 г.). Автор раскрывает философско-эстетические истоки сюрреализма. В  работе подробно проанализирована связь мировоззрения сюрреалистов и психоанализа Фрейда, рассмотрены разнообразные новаторские приемы художественной техники. Теория и практика сюрреалистов прослеживается в тесной связи с творчеством его наиболее значительных представителей: М. Эрнста, Р. Магритта, С. Дали и др. Достоинством работы является подборка текстов манифестов адептов сюрреализма.

Анисимов Алексей. «Художественные традиции прошлого в живописи европейского авангарда» (2000 г.). Сущность искусства авангарда – радикальное новаторство, разрушение традиций. Такова общепринятая точка зрения. Но можно ли с ней согласиться? Рассматривая большой и сложный материал живописи мастеров авангарда (Пикассо, Дали и др.), автор показывает, что, напротив, именно художники ХХ века сумели по достоинству оценить все богатство и разнообразие традиций мировой культуры: от академизма до «примитивов» Африки и Океании. В тексте выявляется связь сюжетов, образов, композиционных приемов конкретных работ художников-авангардистов с произведениями искусства прошлого: реминисценции древнеегипетского, африканского, античного искусства, академической классики в картинах Пикассо; традиции испанского искусства, мотивы и образы Босха, Вермеера, Альтдорфера, Милле, Леонардо да Винчи в произведениях С. Дали и др.

Расторгуева Светлана. «Архитектурные утопии ХХ века» (2003 г.)  Характерной чертой авангардного мышления является  утопизм – вера в то, что с помощью искусства, художественных форм можно преобразовать человека и мир. Особенно утопизм был свойственен архитекторам ХХ века – таким, как А. Гауди, Ле Корбюзье, Ф. Райт, К. Танге, Л. Крие и др. Основоположник «современной архитектуры» Ле Корбюзье мечтал построить «веселый радостный как рай  город», в котором гармония архитектурных форм определит гармонию социальной жизни. Дипломная работа раскрывает природу и истоки архитектурных утопий, демонстрирует многообразие их проявлений в градостроении и отдельных сооружениях ХХ столетия.

Шкильменская Марина. «Европейская скульптура ХХ века: тенденции, направления, мастера (первая половина века)» (2003 г.) В работе характеризуются основные направления развития европейской модернистской скульптуры первой половины XX века, анализируется творчество скульпторов – основоположников нового пластического языка: Э. Барлаха, К. Бранкуси, А. Джакометти, Г. Арпа, В. Лембрука, О. Цадкина, Н. Габо и др. 

Прыгунова Лилия. «Философско-эстетические основы творчества К. Малевича» (2003 г.). «Супрематизм» Малевича – яркий пример концептуального искусства, необходимым условием понимания и оценок которого является знакомство с философскими воззрениями художника. Автор обращается к анализу теоретических сочинений Малевича, к исследованиям современных  искусствоведов, философов, культурологов. Дипломная работа позволяет проследить эволюцию философско-эстетического мировоззрения Малевича от фигуративной живописи к абстрактной, раскрывает смысл и цель его исканий.
Охлопков Руслан. «Аналитический метод Павла Филонова»  (2004 г.). 

Среди мастеров российского авангарда Филонов – явление уникальное. Личность художника интригует не менее, чем его картины. Филонов разработал оригинальный живописный метод, который назвал «аналитическим» и фанатически верил в его будущее. Дипломник стремится «найти ключ» к пониманию художественного метода Филонова, выявить его философские, научные и художественные истоки (творчество мастеров северного Возрождения, кубофутуризм, символизм и модерн, примитив и др.).  Дипломная работа Р. Охлопкова содержит ценные учебно-методические разработки: словарь терминов аналитического искусства, хрестоматию с фрагментами теоретических сочинений, дневников и писем П. Филонова; анализ наиболее трудных для понимания картин, структурно-логические таблицы, обширную библиографию по творчеству художника. 

3. Искусство советской эпохи.  Соцреализм. 
Советское искусство – особый феномен в мировом  художественном процессе XX века, подлинное осмысление которого, по сути дела, только начинается. В разговоре со студентами важно вывести эту тему из сферы идеологической полемики. Необходимо сосредоточить внимание на выявлении   ментальных оснований советской культуры, ее архетипов; раскрыть своеобразие социальной и эстетической доктрины социалистического реализма, показать эволюцию и внутренне противоречивый характер этого метода; познакомить студентов с творчеством наиболее значительных художников советского времени, в том числе официально не признанных («другое искусство», «андеграунд»).

Представлю несколько дипломных проектов, отражающих разные периоды  истории русского искусства советской эпохи.

Новикова Елена. «Образ мира и человека в советском искусстве 30-50-х годов» (2002 г.)  Дипломная работа обращается к «сталинской эпохе», создает достаточно полную картину развития искусства этого периода, характеризует содержание понятия «социалистический реализм» в интерпретации  официальной эстетики того времени и с позиций сегодняшнего дня. Полнотой и высоким качеством исполнения отличается иллюстративный ряд. Особо следует отметить высокий художественный уровень фотоматериалов, выполненных автором лично в Москве (станции метро, ВДНХ).

Новикова Ирина «Своеобразие русской живописи 70-х годов XX века. На примере творчества Т. Назаренко и Н. Нестеровой» (2007 г.)

Семидесятые годы вошли в нашу историю как «эпоха застоя». Но по отношению к искусству эта метафора вряд ли применима. Более того, анализируя ситуацию в живописи, искусствоведы характеризуют ее как «тихую революцию». В чем проявилось новаторство художников-«семидесятников», в числе которых крупнейшие мастера Т. Назаренко и Н. Нестерова (а также А. Ситников, О. Булгакова, Е. Струлев, А. Петров, К. Нечитайло, Е. Романова и др.)? Как показано в дипломной работе, эта плеяда художников впервые в официальном советском искусстве делает попытку осмыслить мир и человека не столько в социально-политическом контексте, сколько в экзистенциально- метафизическом. Семидесятники размышляют о «вечных» вопросах бытия, темы и сюжеты их картин выходят в большой исторический контекст, в пространство мировой культуры, обращаются к различных художественным традициям. Новое содержание  требовало адекватного художественного языка, которым становится язык притчи, метафоры, иносказания, цитаты.   

Жученко Инна. «Страницы истории русского неофициального искусства 60-80-х годов» (2003 г.). Цель исследования – проследить тридцатилетнюю историю российского андеграунда. В работе характеризуется социально-культурная ситуация в советской России 60-80-х годов, выявляются предпосылки появления «другого искусства»; рассматривается деятельность наиболее значительных представителей российского андеграунда: Элия Белютина и его учеников, которым принадлежит важная роль в возрождении абстрактной живописи в России; история «Лианозовской группы»; группы «Движение», утверждавшей в России кинетическое искусство; петербургской группы «Метафизический синтетизм» во главе с М. Шемякиным; история соц-арта. Особое внимание уделено творчеству уникального художника Анатолия Зверева. 

4. Искусство конца XX века. Постмодернизм.
Штубова Наталья. «Постмодернизм в искусстве Запада: архитектура, живопись, дизайн» (2004 г.). «Постмодернизм» – термин, характеризующий магистральную тенденцию в развитии культуры и искусства конца XX века.  Этот термин появился на Западе в конце 60-х годов, в России – в 90-е. Сегодня о постмодернизме написано огромное количество разного рода философско-культурологических и искусствоведческих исследований. Но противоречивость суждений и мнений часто не проясняет, а запутывает понимание этого явления. Дипломница взяла на себя смелость осмыслить и систематизировать материалы  наиболее значительных современных исследований  по данной проблеме.

Завершая обзор, хочу отметить следующее: актуальной задачей на сегодняшний день является разработка раздела «Современный художественный процесс». Необходимо знакомить студентов с тем, что происходит в искусстве непосредственно в наши дни, с новыми формами художественной активности,  в том числе в Тольятти и Самаре. Материалы нашей конференции будут в данном случае очень полезны.

Ольга  Васильевна  Сямина,
канд. культурологии,
доцент кафедры  изобразительного искусства
Тольяттинского государственного университета

Содержание

НАУЧНО-ТВОРЧЕСКАЯ КОНФЕРЕНЦИЯ:
«ПРОБЛЕМЫ, ТЕНДЕНЦИИ И ПЕРСПЕКТИВЫ РАЗВИТИЯ
СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА В ГОРОДСКОМ ОКРУГЕ ТОЛЬЯТТИ»

Современное искусство тольяттинских художников
в фондах  Тольяттинского художественного музея

Термин «Современное искусство» – довольно условное понятие и может быть обозначен как искусство, созвучное, соотносимое со своим временем. В этом смысле любое подлинное искусство всегда современно, поскольку так или иначе отражает в художественно-образной форме содержание своей эпохи. Поэтому понятие «современное искусство» не несет в себе специфических конкретно-исторических характеристик и, следовательно, не является научной категорией. Если же понимать под современным искусством и современным стилем характерные черты искусства ХХ – начала ХХI века, то вопрос становится еще более сложным.

Во-первых, потому, что не может быть какого-либо одного «стиля эпохи», полностью отражающего все ее содержание. В каждую эпоху всегда существует множество стилей, зарождающихся и уходящих, «новых» и «старых». Во-вторых, при оценке качеств того или иного художественного произведения необходима достаточная историческая дистанция, в данном случае отсутствующая. Поэтому современное искусство – это не то, что ново. Новым является по существу всякое искусство, поскольку именно новизна, уникальность и неповторимость образа и делает его художественным.

Историческое развитие привело к усложненности и раздробленности художественной картины мира до такой степени, что ни о какой картине мира в искусстве вообще говорить не приходится. Не эпоха, не направление, не школа, а главным образом личность художника, его индивидуальное, часто крайне субъективное, произвольное восприятие стали определять стилистику художественного произведения. В искусстве ХХ, а теперь уже, можно говорить,  и в искусстве начала XXI века – что ни художник, то стиль. И характерный признак «современного стиля» – это «цитаты» и «повторения». «Мы живем в эпоху, когда все слова уже сказаны» (С. Аверинцев), поэтому каждая фраза, слово, тема, мотив воспринимаются как цитаты прошлого.

Идя вслед за высказыванием романтиков о том, что классика всегда ретроспективна, а романтизм современен, мы можем говорить о тех тольяттинских художниках, которые работают в нетрадиционной художественной манере. Многие картины этих художников попали в музей вследствие закупки или дарения авторами.

Выставки художников, работающих нетрадиционно, проводились в нашем музее, начиная с 1990-х годов. В городе тогда работала известная молодежная организация «Планета ЖурМаРин» во главе с Юрием Лесничим. Художники группы принимали мир таким, каков он есть, но с болезненной остротой переживали его проблемы. Создавая обобщенные образы, художники концентрировали в них свое сочувствие происходящему, тосковали или радовались. В манере письма художников было что-то общее: краски ложились на холст экспрессивно, запечатлевая пронзившее автора ощущение момента жизни. В группу входили помимо Ю. Лесничего Жанна Исаева, Ренат Хакимов  и другие. В произведениях Жанны Исаевой («Птичка») есть игра и сказка, жестокость и обреченность, стылая тоска, схватка и тишина пустыни… Как говорила искусствовед А.В. Павельева, для всех членов этого объединения «общим было то, что молодые художники не ставили своей целью прямое отражение предметов и явлений окружающего мира. Не отрываясь от реальности, используя методы фигуративного искусства, они свободно компоновали свои картины для того, чтобы было возможно по-своему интерпретировать действительность и, отбросив сиюминутное, создавать обобщенные произведения, полные общечеловеческого значения».

Единственная выставка, прошедшая в музее группы «ЖурМаРин», называлась «Дом для души» и представляла собой не только живописные произведения, но и действующую инсталляцию «Дом для души» – настоящий дом в экспозиции, куда можно было зайти, присесть, отдохнуть, послушать музыку, освободиться от ненужных мыслей. К сожалению, этого творческого объединения в городе уже нет.

Также не существует сейчас другая, довольно-таки интересная и неоднозначная группа «Пантеон». Художественная система многозначительных произведений художников этой группы включала в себя некоторые элементы авангардистского искусства ХХ века и основывалась на определенной мировоззренческой программе. В их творчестве были формальные поиски и усложненная символика, игровое начало, попытки постичь философию жизни и ее хаос. Наиболее яркие представители этой группы – Александр Кремнев, Сергей Пылаев, Геннадий Гостин. Многозначная символика в творчестве Александра Кремнева соединяется с игровым началом. Художник пытается постичь философию жизни, остро ощущая ее проблемы. Произведения А. Кремнева можно было бы назвать фантазиями, порожденными реальностью. В картинах, приглашающих к размышлению, затрагиваются значимые для людей темы. Форма, условность языка живописи соединяются зачастую с парадоксальностью решения. Условность пейзажа и цветового решения в картине «Ждущая» (1994 г.) не умаляет ее психологической сути, а даже наоборот – возводит ее в символический образ ожидания.

Музей всегда с готовностью откликался на желание молодых художников показать свое творчество. Так, в начале 90-х с успехом прошла выставка тольяттинского художника Павла Лилы. Его светооптические композиции, мерцающие в затемненных залах музея, были своего рода открытием для неискушенной тольяттинской публики.

Плодотворно работал в середине 90-х гг. преподаватель детской художественной школы № 1 Сергей Попов. Его интересные инсталляции, перформансы и живописный своеобразный ремейк, воплощенный в проекте «Сны об Италии», до сих пор вспоминаются с ностальгией.

Говоря о выставочной деятельности музея в рамках современного искусства, стоит отметить выставку из Москвы в 2002 г., представленную отделом современного искусства Государственной Третьяковской галереи «Искусство в актуальных контекстах» (куратор – Андрей Ерофеев); выставки немецких художников из г. Вольфсбурга – города-побратима Тольятти Марека Беньшевски, Ангелики Бухер, Хайко Таппенбек, Рози Маркс, Хельги Кальферсберг Ирены Хаймш и других. Эти выставки, проходившие в 2001 – 2006 гг., конечно же, внесли свой определенный вклад не только в плане ознакомления с современным искусством Германии, но и в плане расширения собственного художественного кругозора.

Также на памяти у многих выставки 2007 г.: это выставка молодых художников из Сербии и выставка, проводимая в рамках Международного форума архитектуры и дизайна «New City»; выставка голландских художников Инне Ламерс и Роба де Фрея «Портрет города», включающая в себя  фотографии и видеоинсталляции.

Выставки современных зарубежных и отечественных художников с нетрадиционным подходом к искусству по большей части вызывают у тольяттинских зрителей неоднозначные мнения – от полного восторга до глубокого непонимания, что связано, по-нашему мнению, с общей неподготовленностью нашего зрителя к восприятию непривычного и непонятного и недостатком художественного воспитания. И, что более странно, – эти интереснейшие выставки мало посещаются студентами наших ведущих университетов ТГУ и ТГУСа, которым сам Бог велел использовать любую возможность пополнять свою осведомленность в плане современного  искусства.

В музее есть свой фонд современного искусства – произведения тольяттинских художников, работающих в нетрадиционной манере. Назовем лишь некоторых ярких представителей из общего числа. В музейном фонде есть несколько работ Татьяны Чириковой и Татьяны Минсафиной. Они не только художники, но также дизайнеры и педагоги. Обе – участницы многочисленных выставок в России и за рубежом, биеннале, обе успешно занимаются проектной деятельностью. 

Произведения Татьяны Минсафиной несут на себе смысловую и символическую нагрузку. Для нее выход на картину – это возможность высказаться, показать свой внутренний мир через представленный образ. В ее картине «Свет» (1997 г.) показан образ молодой женщины, сидящей в темной комнате, взгляд ее устремлен в окно и в то же время внутрь себя. Время остановилось на мгновение, на ту долю секунды, когда вдруг кажется, что проходит вечность… Татьяна любит включать в свои работы стеклянные поверхности, которые помогают ей раздвинуть пространство картины, разбить ее однообразие («Старый Новый год. Автопортрет», 2000 г.).

В большинстве работ Татьяны Чириковой просматривается одновременно доброе и ироничное звучание. Герои Татьяны – это не совсем обычные люди, это какой-то срез человеческой массы, представленный под определенным углом. Зритель находит в этих картинах что-то знакомое, отдаленно напоминающее наши собственные ощущения, восприятия; чувства, возникающие на грани сновидений и реальности («Трио», 1998 г.).

В музее находится работа Валерия Костаринова, интереснейшего художника, работающего в абстрактной манере – «Победа Троянского коня». Композиция картины строится из разного типа поперечных линий и пятен красновато-желтого, фиолетового, лазурно-зеленого и желтого цветов. Линии очерчивают контур, сквозь который выявляется напряженный цвет огня и пепла – это символ сожженной Трои. А чуть в стороне, правее угадывается образ яблока, как символ раздора, приведший к началу Троянской войны. Картина завораживает своим постоянно меняющимся, но все равно узнаваемым образом Троянского коня – как отдельного героя, принесшего победу ахейцам.

В этой же манере работает художник Сергей Дергун. Живописные произведения Сергея Дергуна всегда поражают своей лаконичностью, цветовой интерпретацией и микроскопической точностью нанесенных на холст мазков. Картина «Венеция» (1999 г.) покоряет безукоризненной техникой исполнения, уникальностью и красочной гармонией цвета. Взяв за основу арочную конструкцию, Дергун варьирует эту форму, по-разному интерпретируя и размещая ее в различных ракурсах. Произведения С. Дергуна всегда привлекают своим нетрадиционным взглядом на окружающий мир. Предметы и события под его рукой преображаются, но все же остаются узнаваемыми, угадываются каким-то внутренним чувством. Главная тема картины художника с детским названием «Фокус-покус» (2000 г.) – магические превращения с разборными кубами, игровыми картами и другими предметами. Скрупулезная техника исполнения живописи и присущая художнику тонкая проработка деталей помогают буквально ощутить непрочную, тонкую нить, удерживающую вместе все предметы.

В фондах нашего музея находится большая коллекция произведений художника Сергея Галеты – художника, плодотворно работающего в разных стилях и жанрах. Галете свойственны творческие метания и напряженный поиск. В его работах есть уравновешенная соразмерность и порывистая динамичность, мягкие переходы и жесткие контрасты. В картине «Прогулка с Ангелом» явственно прослеживаются черты мистического символизма. В картине все зыбко и призрачно, зритель видит перед собой реальность, преобразованную сновидением: корявые деревья-оборотни, призрачные бесплотные птицы, застывшая зеркальная гладь воды, высотки блочных домов с пустыми глазницами окон…

Стабильно привлекает внимание зрителей и экспертов творчество Елены Смуровой. Елена Смурова – самый загадочный из тольяттинских художников. Сюжеты ее картин всегда неоднозначны, оригинальны, наполнены поэзией так же, как и названия ее работ. Для Елены Смуровой ее любовь к философской созерцательности находит свое отражение в картине «Красные облака» (2007 г.). Композиция с раздвинутыми стенами-кулисами показывает выход в открытый мир. Желтая извилистая дорога приглашает в путь в этот далекий незнакомый, но такой манящий мир с тревожными красными облаками.
Заканчивая свое выступление, хочется поделиться с присутствующими некоторыми соображениями по поводу дальнейшего развития современного искусства в Тольятти. Многие из вас, наверное, были участниками Международного форума New City, где в течение нескольких дней знакомились с последними мировыми достижениями в области архитектуры и дизайна. Этот великолепный проект очень многое показал его участникам, дал возможность прикоснуться к мировым идеям в этой области.

Для Тольятти было бы замечательно проведение подобного мероприятия и в области современного искусства. Мы надеемся, что это всколыхнуло бы дремлющие художественные силы, особенно среди молодых творческих людей. Будем считать, что сегодняшняя конференция – это первая ступенька для проведения более глобальных и масштабных преобразований в нашем городе.

Лариса Ивановна Москвитина,
заместитель директора по науке
муниципального учреждения культуры
«Тольяттинский художественный музей», искусствовед

Содержание

НАУЧНО-ТВОРЧЕСКАЯ КОНФЕРЕНЦИЯ:
«ПРОБЛЕМЫ, ТЕНДЕНЦИИ И ПЕРСПЕКТИВЫ РАЗВИТИЯ
СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА В ГОРОДСКОМ ОКРУГЕ ТОЛЬЯТТИ»

Стратегии современного искусства
(Презентация проектов Самарского регионального отдела Приволжского филиала Государственного центра современного искусства)

Стратегия и реалии Ширяевской биеннале современного искусства. Тема 2007 года – «Дом: между Европой и Азией». «Номадическое шоу, или Что делать, когда никто не виноват». В этом году Ширяевская биеннале современного искусства «Между Европой и Азией» проходит в пятый раз, как всегда – в августе по нечетным годам в волжском селе Ширяево и арт-площадках Самары. Темы предшествующих лет: «Провинция», «Тактильность», «Еда», «Любовь».

Биеннальская тема 2007 года – «Дом»: как способ проживания, как суверенное пространство художника. Очерчивание контуров этого самого суверенного пространства позволило обозначить концептуальные приоритеты события. Стало понятно, почему это мероприятие до сих пор живо и актуально. Скорее всего, это происходит потому, что Ширяевская биеннале является противовесом общей доктрине «белого куба», к пониманию необходимости которого склоняется художественное сообщество.

В принципе, эта эстетическая доктрина, захватившая все пространство современного искусства, устраивала всех: покупателя, галериста, музейное сообщество и зрителя. И есть только одна проблема – она перестала устраивать художника, потому что эта теория заставляет весь художественный процесс ориентироваться только на рынок. Конечно, это было бы прекрасно, если бы все могли постоянно черпать вдохновение и выдавать «новый» художественный продукт, один лучше другого…

И тогда  «белый куб» воспринимался бы как желанный чистый лист, а не как бланк о приеме ХП (художественных произведений). Да и нет этих самых «ХП», способных потрясти мир – все художественное комьюнити замкнулось само на себя. Художник находится все время «между» – между институциями и грантами, галеристами и покупателями, измученный вопросом: «Что делать, когда никто не виноват?» 

Может быть, попытаться расслабить ситуацию, создать условия, когда метод проживания является художественной ценностью, сократить разрыв между созданием произведения и его экспонированием, чтобы докопаться до сущности художника: что он такое? что он внутри себя? нужен ли он кому-либо и самому себе прежде всего? Вспомнить забытые слова о «самости творца, неравного самому себе», поскольку без них невозможно существование художника как такового.

Активную позицию относительно места художника в реалиях современной жизни озвучил на Ширяевской биеннале московский концептуалист Дмитрий Гутов, организовавший дискуссию-перформанс «Выпрямила» по одноименному рассказу писателя-демократа Глеба Успенского. В частности, он говорил о том, что беда состоит в отсутствии реальных «звезд» в современном искусстве, в отсутствии имен, которые будут подобны божеству. По мнению художника, это должен быть один «демиург», которому должны поклоняться все. Он будет духовным лидером, за которым можно пойти, и эта система будет противостоять рынку, поскольку мы уйдем от отношений купли-продажи и будем работать с принципиально другими ценностями.

Эта точка зрения была также подкреплена московским художником Юрием Альбертом, который реализовал в Самарском художественном музее перформативный проект «Экскурсия с завязанными глазами».

Противоположную идею высказали художники из Германии и Австрии Ханнс-Михаель Руппрехтер, Геро Гётце, Кришна Субрамания, Иохан Герберт Шледер и др., проповедующие независимое позиционирование каждого. Эта  точка зрения предполагает, что все художники нуждаются в свободном выражении, что художественная практика – это, прежде всего, визуальное воздействие, «картинка». И то впечатление, которое она производит, будь то фото, перформанс или инсталляция, может «сказать» больше, чем слова. «Очень важно все фиксировать, снимать видео, фотографировать, – говорит, например, куратор немецкой группы художников Ханс-Михаель Руппрехтер, – и тогда мы будем свободны. Свободны от слов». Это была их последовательная позиция, которая выражалась в произведениях – как рамированных финальным показом, так и нет.

На наш взгляд, тема «Дом» актуальна еще и потому, что современные художники хотят некоего убежища, дающего свободу от ярлыков и рангов. Все хотят, чтобы настали времена свободы – может быть, в духе 60-х. Сейчас все оснастились средствами коммуникации, но эта коммуникация никоим  образом не может заменить энергию общения, она лишь фиксирует ее. Для нас это важно. Именно поэтому основным событием нашей биеннале является «номадическое шоу», которое происходит в финале двухнедельного проживания в селе. Это такой «трип», который выстраивается совместно, и каждый участник может в той или иной мере выразить себя. Последнее зависит не только от того, насколько ты подготовлен. Скорее – от того, насколько ты энергетически заряжен в это время и готов зарядить других. «Номадическое шоу» начинается от пристани Ширяево с прибытием утреннего корабля из Самары. Толпа, состоящая из публики, прессы, художников и местных жителей, движется по селу от произведения к произведению и заканчивает свой путь вечером наверху в горных штольнях.

В этом году шоу начинал французский художник Эммануель Родореда проектом «Внутри/Снаружи». На пристани он представил объект – деревянную дверь величиной с чемодан, которую можно носить с собой, открывая в любом месте. Эта сюрреалистичная вещь, играющая с пространством, навевала воспоминания о страшноватом сне, в конце которого все-таки нашелся выход.

Несколько минут пути – и нас ждал роскошный проект питерско-немецкого художника Алексея Костромы «Оперение». Неумолимо-жаркое солнце, сельская дорога, а на месте обычной автобусной остановки – неожиданный парадиз – пушистый объем белейших перьев. И как продолжение нереальной истории – напротив, в светлых каменных развалинах, автор устроил игру-развенчание в гольф. Первые имена современного мирового искусства, написанные на презервативах, разлетались в клочья при метком попадании зрителей.

Толпа двигалась к Дому-музею И.Е. Репина.
На полпути публику остановила фото-инсталляция Сабины Пфайстерер «Русская эволюция». Проект, разместившийся на заборе дома № 6 по ул. Библиотечной, фиксировал хрестоматийные истины русской реальности: маленькие снимки свидетельствовали о жизни «маленьких людей», большие – о «новорусском» бытие.

На музейных подмостках нас ждал немецкий перформанс Элен Рейн и Ирис Хельригель «Дом...звериная культура повседневности» в неоновых тонах фуксии и лазури. Необыкновенно важно позиционирование этих художниц для Ширяевской биеннале. Их концепт строится на том, что «современный танец (современное искусство) может возникнуть только в демократических сообществах, тоталитаризм же чреват – фольклором, маршами и парадами». Их проект выражает идею свободы, заложенную в формате «номадического шоу». Элен и Ирис не вступали в прямую дискуссию с представителями московского концептуализма, но это идеологическое противостояние было очевидно, когда идее вертикали власти в искусстве противопоставляется свобода индивидуальности. В принципе, и те, и другие авторы – против капиталистической кабалы художника, но одни видят выход в построении иерархической вертикали  со «звездным» лидером на вершине, другие – в идее внесистемного жеста каждого. Спонтанная пластика противостоит протокольным движениям, как «рок-н-ролл» – хороводам и полонезам.

В продолжение дискуссии за поворотом зрителей ждала безупречная работа Дианы Мачулиной «Русское». В бревенчатом пространстве деревенского новодела московская художница сделала «живую скульптуру» из 7 мужчин: «…зрителю предлагается оценить композиционное построение почти реального закона жизни. Вертикальная ось, выстроена из торцов лежащих друг на друге бревен, горизонтальная ось – из затылков мужиков, сидящих рядом». Калька имперской иерархии власти была наложена на деревенский домострой. Но так и не стало ясно: художница критикует эту систему или восхищена ею?

Одним из лучших проектов стал перформанс Маре Тралла и Мари Картау (Сирам) «Мое тело – моя крепость». На берегу реки два брутально обнаженных женских тела, используя в качестве ассистентов 3 мужчин «различных национальностей», облаченных в колготки, читают инструкции на тему интимной гигиены в аспекте «нельзя». Например: месячные без тампакса – «нельзя», секс без презерватива – «нельзя» и т.д. Чтение сопровождается  «примитивным» пантонимо, как в самолете. Параллельно, европейские мужчины, «вставленные» в русские наличники, читают выдержки из конституций на эстонском, французском и немецком. В конце речитатива одна из девушек оказывается опутана ватой с головы до ног. Идея защиты оборачивается ловушкой. Сбросив кокон, девушки уплывают в волжские дали. Получается ироническая картинка откровенной телесности, «родной природы» и «сложностей перевода».
Пустующая Ширяевская школа с давних пор была облюбована участниками биеннале как эстетское пространство с аутентичными сталкеровскими лакунами. И внутри, и снаружи постройка аккумулировала вокруг себя бурную художественную жизнь.

«Французский павильон» на лужайке под кураторством Марлен Перроне свидетельствовал о «мега-артистическом» аспекте существования произведения до того, как автора начинает преследовать патология, названная «синдром Стендаля».

Джони Вокер заигрывал с коровой, Ромен Жибер в спортзале обнажил двойственность реальности, представив фотосерию с неуловимо удвоенными объектами. Йохан Герберт Шледер повесил на дверях медкабинета «Лихорадочный бред» – ироничный пассаж на тему вживания в другую культуру. Анна Броше изящно инсталлировала «Школьный пантеон. Связи» – череду портретов великих людей школьной программы, переосмысленных в духе клипового сознания современных учеников. Ната Морозова в перформансе «Под юбкой» представила свою машинерию мироздания, когда под трехметровым каркасом женского кринолина нашлось место для всех или просто зашедших на чай.

И, как всегда, всем «дал оторваться» король живого искусства Ханс-Михаель Руппрехтер. В память о погибших друзьях он разбил о свою грудь огромную помидорину и, разложив на старом синтезаторе камни, исполнил саркастическую песню «Дом пиарщика-бизнесмена», в которой перечисление «за что угодно» сменялось готовностью «на что угодно».

В этой перверсии ощущался сильный заряд свободы – когда происходит смена позиций и художник из ранга «примечаний на полях рынка и геополитики» превращается в саму жизнь. В тот самый источник, из которого подпитывается весь прицепной состав фэшн, дизайна, политического имидж-мейкерства. 
Утомленная солнцем публика поднялась в горы – посмотреть на пожар в доме, устроенный художником Баландиным, а также впасть в транс в прохладных штольнях рядом с шаманским проектом Германа Виноградова. И хеппининговые пляски Кришны Субрамания завершали общий рисунок «номадического шоу».

Тема Ширяевской биеннале 2009 года – «Америка: между Европой и Азией», в октябре 2008 года планируется проведение семинара, организаторы открыты к предложениям партнеров.
 
Презентация Приволжского филиала Государственного центра современного искусства (Самарский отдел)
В 2007 году Нижегородский центр современного искусства был реформирован в Приволжский филиал Государственного центра современного искусства, в Самаре создан региональный отдел. Это структура Федерального агентства по культуре и кинематографии при Министерстве культуры и массовых коммуникаций. Реорганизация произведена с целью построения сети взаимодействия профильных организаций и расширения зоны их влияния. Подробную информацию можно узнать на сайте www.artnnov.ru

В настоящий момент Приволжский филиал Государственного центра современного искусства объявляет о просветительской программе «Арсенал современного искусства» для зрителей в российских городах. Программа предполагает шесть встреч в течение 2008 года для молодежной аудитории (от 20 до 100 человек), во время которых будут продемонстрированы видеоматериалы (телепередачи, видео-сборники, видео-лекции), подготовленные Лабораторией визуальных коммуникаций ПФ ГЦСИ. Материалы будут сгруппированы таким образом, чтобы дать зрителям представление об основных понятиях, терминах и явлениях современного искусства, познакомить с основными международными художественными событиями, музеями, ведущими авторами и кураторами.

Современное искусство мало известно широкому российскому зрителю, поэтому вызывает, как правило, множество вопросов и требует изучения общего контекста современной культуры. Поэтому ПФ ГЦСИ планирует подготовить «дистрибьютеров» своей программы, которые станут ее организаторами в каждом городе, смогут комментировать видеоматериалы и помогать зрителю самостоятельно находить  источники информации.

С этой целью 10-11 апреля 2008 года в Нижнем Новгороде будет проведен семинар, на котором слушатели познакомятся с выставкой современного искусства из коллекции Государственного Русского музея (Санкт-Петербург), видео-артом молодых художников из Швеции, а главное – примут участие в мастер-классе по работе с пакетом видеоматериалов «Арсенал современного искусства».

По окончании семинара с каждым его участником будет заключен договор, регламентирующий порядок демонстрации и использования видеоматериалов, и выданы диски для проведения просмотров в каждом из городов.

ПФ ГЦСИ заинтересован в установлении обратной связи с новыми региональными партнерами и аудиториями.  При успешном течении данного проекта мы готовы осуществлять с его участниками сотрудничество в различных направлениях деятельности, связанных с современным искусством.

Презентация проекта «Экология восприятия»
Приволжский филиал Государственного центра современного искусства (Самарский отдел), Самарский региональный общественный благотворительный фонд «Центр Современного Искусства» с 1 февраля по 30 марта объявляют о приеме работ для участия в международном выставочном проекте «Экология восприятия-2». «Экология восприятия-2» является продолжением одноименного проекта, который проходил в Самаре с 1998 по 1999 год. Проект предполагает вторжение в ландшафт массового сознания, высказывание вне традиционной ситуации «белого куба». Тема проекта свободная, это возможность увидеть ответы на незаданные вопросы, очертить круг идей, интересующих современного художника.

Выставка постеров будет экспонироваться с мая по декабрь 2008 года на рекламных носителях остановок городского транспорта Самары – city format (120х180 см). Предполагается ежемесячное изменение месторасположения экспозиции в городском пространстве. Для участия в конкурсе необходимо выслать произвольно заполненную форму, включающую в себя: Ф.И.О. автора,  контактные данные (по собственному усмотрению: e-mail, телефон, факс, почтовый адрес), Curriculum Vitae (CV) или резюме, описание проекта, вложив в письмо электронное изображение работы (для предварительного просмотра) не более 300 Кб, формат JPG на адрес Этот адрес электронной почты защищен от спам-ботов. У вас должен быть включен JavaScript для просмотра..

«Данный проект изначально ориентирован не на замкнутую тусовку «посвященных» плюс журналисты-фуршетники и пара-тройка экзотичных городских клошаров. Он происходит на глазах «всех и каждого», случайно застигнутых на остановках: хочешь – включайся и смотри; не хочешь – «проехали». Вероятно, такой подход наиболее соответствует сегодняшнему моменту. Приблизившись к рубежу тысячелетия, все мы равно оказались у одной черты «неизвестного»: и как бы посвященные, и как бы профаны. Ушедших вперед догнали остальные. Весь эстетический опыт предшествующих десятилетий и веков на сегодняшний день отработан массовым сознанием в мельчайших подробностях. Кто не обратил внимание на «Рождение Венеры» в свои шесть и не грезил «сюрреализмом» в свои двенадцать, теперь за пару минут рекламного ролика шампуня с всплывающей дивой на фоне виртуализированного пейзажа может вполне «просечь», что же там было у Дали и Боттичелли. Особенно, если накануне побывал в «продвинутой» парикмахерской или скоротал ночку в сетевой игре.

Однако тот же самый опыт массового сознания мешает нам среди множества реакций, эмоций, взглядов распознать действительно наши жесты и наши чувства, выполненные не по типовым шаблонам цивилизации или сценариям вечных манипуляторов. Именно эта проблема, более чем актуальная для общества масс-медиа и рекламы, была определена кураторами проекта как «Экология восприятия» и нашла понимание у художников из разных уголков мира, работающих в различных жанрах и формах» (из статьи Наты Морозовой о первом проекте «Экология восприятия» 1998 года).
 
Фильм «100  дней Документы» с комментариями
Документарный фильм о выставке «documenta 12» в Касселе. Создан Нижегородским филиалом Государственного центра современного искусства при поддержке Немецкого культурного центра имени Гете в Москве.

Сегодня во всем мире проводятся десятки форумов современного искусства, которые отражают основные тенденции, происходящие в художественном мире: международные биеннале (в Венеции, Сан-Паулу, Сиднее, Стамбуле и других городах), фестиваль «Манифеста», который каждые два года перемещается по разным европейским городам и т.д.

Крупнейшим международным фестивалем современных художественных инициатив сегодня считается «documenta» («Документа»), которая проходит раз в пять лет в городе Касселе и длится 100 дней. Выбор ее участников осуществляется по тематическому принципу, представляющему новейшие художественные тенденции. Инициатором первой «documenta» 1955 года стал кассельский профессор искусств Арнольд Боде (Arnold Bode). Цель этой выставки, получившей название «documenta: искусство XX века» заключалась в восстановлении нарушенной в годы  Второй мировой войны традиции авангардистских выставок в Германии. Став впоследствии крупнейшим международным фестивалем современного искусства, выставка ориентируется не только на другие художественные организации и художественный мир в целом, но и на более широкую публику – в 2002 году форум посетило свыше 600 000 человек.

16 июня 2007 г. начала отсчет своих 100 дней «documenta 12». До 23 сентября будут представлены различные художественные проекты, объединенные лозунгом: «Мы делаем выставку, чтобы что-то узнать» и связывающие друг с другом знания и опыт из различных частей света. Организаторы выставки поставили перед художниками и публикой следующие вопросы: «Модерн: является ли модерн нашей античностью?», «Жизнь: что такое – просто жизнь?»,  «Образование: что делать?».

Этим вопросам и темам, поставленным на «documenta 12», посвящен и фильм «100 дней documenta». Интернет: documenta www.documenta.de

Выводы о ситуации в Тольятти.
На наш взгляд, для развития и аккумуляции  внутреннего культурного потенциала города, поддержки имиджа передовой столицы дизайна в Тольятти могло бы быть учреждено мероприятие, аналогичное «Документе».

Например, «АРТ-ВАЗ» как крупномасштабное регулярное событие (возможно, в стиле арт-ярмарки), объединяющее имеющееся разнообразие локальных творческих ресурсов и привлекающее международные художественные сообщества. «ВАЗ» – бренд, имеющий мировую известность и близкий каждому тольяттинцу – мог бы способствовать успешному функционированию и продвижению мероприятия на рынке культурных индустрий.

Неля Геннадьевна Коржова,
начальник Самарского регионального отдела
Приволжского филиала Государственного центра
современного искусства,
арт-директор Самарского РОБФ «ЦСИ», куратор, художник

Содержание

НАУЧНО-ТВОРЧЕСКАЯ КОНФЕРЕНЦИЯ:
«ПРОБЛЕМЫ, ТЕНДЕНЦИИ И ПЕРСПЕКТИВЫ РАЗВИТИЯ
СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА В ГОРОДСКОМ ОКРУГЕ ТОЛЬЯТТИ»

Презентации  программ современного искусства

Самарский региональный общественный благотворительный фонд «Центр Современного Искусства» организован в 1997 году. Основной целью деятельности фонда является формирование новой концепции открытых взаимоотношений личности с культурными инициативами сегодняшнего дня.

Приоритеты фонда:
- поддержка существующих и нарождающихся перспективных тенденций в визуальном искусстве;
- поиск новых форм коммуникации и функционирования современного искусства в социальной среде;
- создание условий для развития современного искусства в Самарском регионе;
- развитие международного диалога в области современного искусства.

За время существования фонда были реализованы более 20 проектов, 5 международных биеннале «Между Европой и Азией»; программа «Паблик арт» – искусство в публичных пространствах и «Визиология» – программа о феномене зрения.

«Независимая художественная стипендия» – программа СРОБФ «ЦСИ» и Приволжского филиала ГЦСИ (Самарский отдел)

Программа «Независимая художественная стипендия», организованная  в 2004 году, направлена на репрезентацию актуальных художественных тенденций с помощью реализации проектов современного искусства, литературы и кинематографии в городе Самаре. Основная цель программы – расширение и обогащение культурного пространства нашего города, а также международный художественный обмен.
Отбор стипендиатов и присуждение стипендий осуществляется институционально независимым советом, состоящим из общественных деятелей, специалистов и профессионалов в области культуры и искусства. Стипендиатами могут быть как российские, так и международные деятели искусств. Программа для художников предполагает резиденцию стипендиата в течение месяца с последующей реализацией проекта на музейных или галерейных площадках.

С 2004 по 2007 год программа реализуется при поддержке Самарской городской администрации, администрации города Штутгарта, фонда имени Роберта Боша и посольства Федеративной Республики Германия в Москве, Самарского художественного музея, Областного историко-краеведческого музея имени П.А. Алабина, Самарского литературного музея, Самарского католического костела. С 2007 года «Независимая художественная стипендия» реализуется при поддержке Приволжского филиала Государственного центра современного искусства (Самарский отдел).

Презентация стипендиата 2006 года. Герт Видмаер – проект «Другой вид». Это впечатления Штутгартского художника о современной Самаре, о менталитете ее жителей, об особенностях градостроения, о ритме крупного российского города глазами  европейского чужестранца. Проект состоит из 2 частей и предполагает перемещение зрителя из одного арт-пункта в другой, как экскурсия, когда художественное видение автора микшируется с картинками из реальной жизни. Такой ракурс экспонирования позволяет увидеть больше слоев в оболочке повседневности. Слоистость жизни, множество ее фактур, неоднозначность в оценке руин и парадных фасадов преломляются в работах художника в ту самую искомую контемпоральность – соответствие времени. 

Другие выставки: «Новое место для взгляда» – Самарский областной историко-краеведческий музей имени П.А. Алабина; «Процесс исчезновения» – Самарский областной художественный музей.
 
Международная Ширяевская биеннале современного искусства «Между Европой и Азией» – история и приоритеты Международная биеннале «Между Европой и Азией» организована Самарским региональным общественным благотворительным фондом «Центр Современного Искусства». С 2007 года биеннале проводится при поддержке Министерства культуры и массовых коммуникаций Российской Федерации, Федерального агентства по культуре и кинематографии,  Государственного центра современного искусства.
Биеннале проводится каждый август нечетного года, начиная с 1999, в селе Ширяево, расположенном  на берегу реки Волга, и Самаре.

1999 год - «Провинция: между Европой и Азией».
2001 год - «Тактильность: между Европой и Азией».
2003 год - «Еда: между Европой и Азией».
2005 год - «Любовь: между Европой и Азией».
2007 год - «Дом: между Европой и Азией».

В биеннале принимали участие художники и кураторы из России, Казахстана, Германии, Франции, Великобритании, Италии, Литвы и Армении. Опубликованы каталоги 1999, 2001, 2003 гг., CD (2005 г.), каталог 2007 года. Каждая биеннале посвящена исследованию актуализированной темы года в ситуации «между Европой и Азией». Подвергая артистической инвентаризации один и тот же «предмет», «тему», «понятие» с точки зрения различных ментальных и культурных стратегий, можно представить не только авторские дискурсы, но и зафиксировать существующие тенденции в диалоге искусств между Европой и Азией.

Важной составляющей структуры биеннале является творческий практикум (workshop), который проводится как эксперимент современного искусства в традиционной русской деревне в течение двух недель. Особенность этого этапа состоит в «проживании» художников в домах местных жителей. Это условие «погружения» в локальную культурную ситуацию рассматривается как метод создания безотносительной или «идеальной» среды для художественного высказывания. Основная идея такого эксперимента – дать художнику шанс «начать работать с нуля», не испытывая давления наработанного имиджа и технологий арт-рынка.

Каждый раз приглашенные участники становятся коллективом единомышленников, работая над созданием индивидуальных и совместных проектов, используя «местные» материалы и возможности, а также выстраивая общий маршрут презентации – «Номадическое шоу». Таким образом, Ширяевская биеннале предлагает альтернативу традиционному функционированию искусства в рамках концепции «белого куба» музейного пространства.

«Номадическое шоу» – это симбиоз двух понятий:  европейского – «шоу» и азиатского – «номадического», кочевого принципа жизни для освоения новых «территорий». «Номадическое шоу» – центральное событие биеннале. Действие происходит только один день в течение 8-9 часов и задействует работы всех художников практикума. Каждый участник или творческая группа имеет личное время для презентации. Чтобы стать свидетелями этого события, большинство зрителей приезжают из Самары специальным кораблем. «Орда» зрителей движется по предложенному маршруту вместе с авторами, СМИ и местными жителями, осваивая все новые очаги искусства и вовлекая в свое шествие все новых участников.

Пространством для показа произведений служит все село с окружающим ландшафтом: Волга, горы, штольни (пещеры в горах), берег озера, деревенские дома, улицы, школа, Дом культуры, пристань и т.д. Маршрут выстраивается по возрастающей – начинается от пристани и заканчивается в горах.

Село Ширяево привлекательно для широкой зрительской аудитории как одно из красивейших мест Самарской Луки. Это можно сравнить с феноменом Венецианской биеннале, когда помимо искусственных форм красоты (то есть самого искусства) притягивает природная и историческая красота самого места. В селе, основанном в XVII веке, последние 200 лет велась активная добыча известняка, вследствие чего обступающие его горы все изрыты штольнями, соединяющимися с природными пещерами, характерными для этих мест, что весьма интересно для туристов и аутентично используется художниками. 

В Ширяево легче всего добраться водным транспортом, и эта особенность используется устроителями мероприятия как особый вид водного хеппенинга – пролог и эпилог «Номадического шоу».

В Ширяево работали художники Репин, Васильев (существует дом-музей Репина), в советское время это было известное место проведения пленэров. В этом аспекте биеннале интересна как внедрение актуального искусства в сложившуюся ситуацию волжского села с вековой традицией реалистической живописной школы.

Первое упоминание о селении «Ширяево» в исторических документах относится к 1643-1645 годам. Описание окрестностей села в Жигулях можно найти в записках голландского живописца и путешественника Корнилия де Бруина, увидевшего эти места в мае 1703 года. В его книге есть строки: «В 9 часов, поворотив к юго-западу, заметили справа равнину между высоких гор, а затем селение, лежащее в 20 верстах от Самары. Наши люди выходили туда за продовольствием, и река в этом месте была очень широка».

В последние годы возникла потребность показывать часть проектов биеннале на выставочных площадках Самары, поскольку мероприятия, реализуемые в селе Ширяево, не могут принять всех желающих. Это позволяет расширить структуру биеннале яркими художественными событиями и более полно удовлетворить зрительский интерес.

ПРОГРАММА БИЕННАЛЕ  2007 ГОДА
Творческий практикум в Ширяево
Номадическое шоу

Выставки
«Германия. Взгляд с неба»
Самарский областной историко-краеведческий музей имени П.А. Алабина.
 «Как если бы мы жили вместе» – выставка молодых самарских художников (Дом кино).
«Самара – Штутгарт» (Самарский художественный музей).
«ROMA PUNTO UNO» – выставка итальянского современного искусства (Самарский художественный музей).

Программа  видео-арта.
«Home video» (Самарский государственный университет, улица Потапова).

Коллоквиум на темы: «Стратегия развития Ширяевской биеннале», «Биеннальское движение в мире» «Современный перформанс», видео-программа «Мультивитамин».
Комиссар биеннале – Роман Коржов
Куратор биеннале – Неля Коржова
Роман  Валентинович Коржов, 
председатель  совета самарского регионального общественного
благотворительного фонда «Центр Современного Искусства»,
старший научный сотрудник Приволжского филиала Государственного
центра современного искусства, куратор, художник

Содержание

НАУЧНО-ТВОРЧЕСКАЯ КОНФЕРЕНЦИЯ:
«ПРОБЛЕМЫ, ТЕНДЕНЦИИ И ПЕРСПЕКТИВЫ РАЗВИТИЯ
СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА В ГОРОДСКОМ ОКРУГЕ ТОЛЬЯТТИ»

Презентация проекта
«Региональный центр развития художественного образования»

Уважаемые друзья! Когда нам предложили поучаствовать в данной конференции, мы собрались в университете коллективом и решили, что  это как раз то место, где можно задать вопросы, попытаться решить проблемы, которые существуют в городе. Понятно, что каждый художник как-то работает в одиночку и остается один на один со своими проблемами. В городе не строятся мастерские, и нехватка эта ощущается, нет возможности  активнее участвовать в выставках, потому что площадок не так много и там очередь на несколько лет вперед. Кроме того, достаточно проблем и в учебных  заведениях, которые надо решать. Необходимо новое здание для музея, об этом давно говорят, но все так и остается. Поэтому эти вопросы необходимо обсудить на конференции и на «круглом столе» и обозначить в нашем решении, так как собралось много солидных людей, руководство города, области, и будут какие-то  подвижки.

И вот в качестве конкретного предложения мы сегодня предлагаем  вашему вниманию проект «Центр развития художественного образования». На каком языке должны говорить взрослые, чтобы молодежь научилась слышать голос разума и добра, слышать, видеть и понимать мир прекрасного? Какими должны быть условия эффективного управления развитием подрастающего поколения в современной социокультурной  среде? Вот для ответа на эти вопросы мы провели анализ современного состояния деятельности образовательных учреждений, когда был выявлен ряд существенных противоречий.

Первое: противоречие между имеющимся научно-теоретическим потенциалом  современной педагогической науки и его невостребованностью в практике научных образовательных учреждений. Понятно, что школа  всегда с настороженностью относится  к тем людям, которые занимаются  наукой.  Вот поэтому, естественно, проблема  существует.

И второе: противоречие между сложившейся системой  художественно-эстетического образования и недостаточной  эффективностью использования этого образовательного пространства.  Решение поставленных  вопросов и выявленных  противоречий  заложено  в разработке системы непрерывного художественного образования как основной национальной доктрины образования и концепции  художественного образования в России. Мы уже давно говорим о том, что необходимо выстраивать вот эту непрерывную систему образования, но, тем не менее, как-то всегда получается, что каждое учреждение  работает само по себе и связи практически не наблюдаются. Основным этапом непрерывного художественного образования является довузовская, вузовская и поствузовская  система повышения  квалификации кадров.

В связи с этим возникает задача создания инновационного учреждения, которое координировало бы художественно-образовательную и просветительскую  деятельность всей многоуровневой системы и входящих в нее учреждений культуры. Таким учреждением может выступить  Региональный центр развития художественного образования.

Базовый раздел работы - научно-методическое сопровождение художественного образования в регионе:
- научно-исследовательская деятельность;
- программно-методическое обеспечение учебного процесса;
- система непрерывного повышения квалификации педагогических и руководящих кадров;
- организация выставок, конкурсов, конференций.

Цель проекта: 
- создание необходимых организационных, методических, научных и творческих условий ресурсного обеспечения устойчивого развития художественного образования в городе и регионе, координация действия органов культуры и образования в вопросах развития Российской изобразительной школы;
- объединение педагогической общественности для определения стратегии развития художественного образования в регионе;
создание координационного совета по художественному образованию;
- инициирование проектной деятельности по разработке и внедрению современных подходов художественной педагогики, способствующей сохранению уникальной системы художественного образования в России;
- организация научной, методической, выставочной, издательской,  экспериментальной и просветительской работы;
создание непрерывной системы повышения квалификации педагогических и руководящих кадров.

Учебно-выставочный комплекс.

Цель: создать место, объединяющее профессионалов изобразительного искусства (художников,  учителей и преподавателей общеобразовательных и художественных школ).

Детская картинная галерея – это многофункциональное учреждение инновационного типа, формирующее единое образовательное пространство города в системе непрерывного художественного образования. Будучи  центром художественно-эстетического воспитания детей, реализует как образовательно-воспитательную, так и социально-педагогическую функции.

Цель: достижение качественного уровня художественного образования и обеспечение образовательных траекторий взаимодействия с учреждениями культуры и образования в процессе реализации открытой художественно-образовательной программы.

В структуре учреждения предусмотрены методический, художественно-образовательный, выставочный и информационно-издательский отделы.

Методическая деятельность.

Цель – развитие непрерывной системы художественного образования в городе в процессе развертывания социально-педагогических инициатив на основе повышения профессионального мастерства и квалификации педагогических работников, учителей ИЗО, ДПИ, МХК, графики, дизайна.

Задачи:
- организация непрерывности и преемственности художественного образования;
- разработка и внедрение национально-регионального компонента в художественном образовании;
- возрождение национально-культурных традиций народов Поволжья и России;
- внедрение комплексно-интегрированного подхода и современных технологий преподавания предметов художественно-эстетического цикла.

Мероприятия и формы реализации:
- организация семинаров по проблемам преподавания изобразительного и  декоративно-прикладного искусства;
- обмен опытом (мастер-классы);
- привлечение учителей к исследовательской деятельности (помощь в написание авторской программы, работа над диссертационным исследованием);
- совместная разработка новых инновационных проектов.

Образовательная деятельность.

Цель – обеспечение целостного развития и саморазвития личности воспитанника.

Задачи:
- организация занятий в студиях по 4 направлениям (художественное, культурологическое, техническое, профессионально-ориентационное);
- подготовка и организация региональных, городских олимпиад и конкурсов творческих работ учащихся;
- функционирование подготовительной школы для поступления в вуз;
- проведение педагогической практики студентов факультета ИЗО и ДПИ.

Мероприятия и формы реализации:
- занятия в студиях и мастерских (индивидуальные занятия в детских художественных мастерских);
- участие в выставках-конкурсах, олимпиадах и других социальных проектах;
- обучение в подготовительной школе при ТГУ и высшем учебном заведении.

Выставочная деятельность.

Цель – моделирование системы художественного образования детей посредством приобщения их к культурным, эстетическим и художественным ценностям. 

Задачи:
- вовлечение всех учащихся процесса непрерывного художественного образования в выставочную деятельность;
- диалогическое взаимодействие между педагогом, учащимся и произведением искусства;
- организация культурно-просветительской деятельности в рамках города;
- проведение художественно-оформительской практики студентов факультета ИЗО и ДПИ.

Мероприятия и формы реализации: выставки творческих работ учащихся ДХШ, ДШИ и общеобразовательных учреждений; мастер-классы; передвижные выставки.

Информационно-издательская деятельность.

Цель – создание открытого информационного пространства в системе непрерывного художественного образования региона для детей, родителей, педагогов и общественности.

Задачи:
- формирование информационной базы деятельности (нормативно-правовое обеспечение, научно-методическое);
- работа над изданием программ, сборников открытых занятий, методических рекомендаций, каталогов, буклетов, информационных писем;
- комплектование фондов: библиотеки, видеотеки, медиатеки, аудиотеки;
- создание музея изделий декоративно-прикладного искусства и художественного творчества.

Мероприятия и формы реализации: массовые (конференции, семинары, лектории, курсы); групповые (творческие лаборатории, педагогические мастерские, творческие группы, МО, посещение музея); индивидуальные (консультации, беседы); работа сайта.

ЛАБОРАТОРИЯ ТЕОРЕТИЧЕСКИХ
И ПРИКЛАДНЫХ ИССЛЕДОВАНИЙ КУЛЬТУРЫ

Цель: организация комплексных культурологических исследований, направленных на изучение и актуализацию отечественного духовного наследия и введения его в современное культурное пространство; консолидация интеллектуальных сил специалистов-культурологов города и региона.

Задачи:
- осуществление теоретических исследований в рамках проблемы  «Базовые смыслы и ценности отечественной культуры: изучение, интерпретация, трансляция»;
- организация прикладных исследований по проблемам региональной культуры;
- создание справочно-информационной базы (и соответствующей службы) по культурологической проблематике;
- организация издательской деятельности;
- привлечение студентов и учащихся к исследовательской деятельности по изучению отечественной (в первую очередь региональной) культуры.

В И Р Т У А Л Ь Н Ы Й  М У З Е Й – новая современная, особо значимая для молодых, не имеющих развитой традиционной музейной инфраструктуры городов форма осуществления образовательной и просветительской деятельности, основанная на использовании мультимедийных технологий.
Создание виртуального музея поможет обеспечить качественно новый уровень гуманитарного образования студентов,  музей  может стать одним из важных, притягательных культурно-просветительских центров города и региона.

Цель: изучение художественных коллекций музеев мира, различных памятников искусства, приобщение к духовному наследию отечественной и мировой культуры.

Задачи:
- создание максимально полной и содержательной медиатеки по искусствоведческой и культурологической тематике с учетом содержания учебных программ гуманитарного цикла;
- интегрирование  деятельности музея в учебный процесс, проведение на базе музея учебных занятий;  
организация просветительской деятельности в рамках университета, города и региона (тематические просмотры, лекции, семинары для учащихся школ, студентов вузов и др.);
- создание учебных и тематических видеофильмов, программ, презентаций и др., посвященных проблемам освоения историко-культурного наследия – в первую очередь регионального, а также проблемам современной культуры и искусства;
- создание виртуальной галереи современного искусства в сети Интернет как экспозиционной площадки творчества молодых художников и электронного сопровождения выставок-конкурсов детского и юношеского творчества.
Александр Яковлевич

Козляков,
к.п.н., доцент, декан факультета изобразительного
и декоративно-прикладного искусства
Тольяттинского государственного университета

Содержание

НАУЧНО-ТВОРЧЕСКАЯ КОНФЕРЕНЦИЯ:
«ПРОБЛЕМЫ, ТЕНДЕНЦИИ И ПЕРСПЕКТИВЫ РАЗВИТИЯ
СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА В ГОРОДСКОМ ОКРУГЕ ТОЛЬЯТТИ»

Нужна ли художнику школа?

Не правда ли, было бы обидно, если бы Моцарт не знал нот, а Пушкин был неграмотным? Что бы было, если  бы Микеланджело учился бы не у Даменита Гирландайо, а был, как его отец, чиновником? Странно подумать, каких бы радостей мы лишились!

Талант, гениальность – редкий и великий дар, но он бессилен без грамоты, без школы. Только фундамент специальных знаний дает возможность реализовать природные данные. Только опираясь на него, художник может обрести свободу, уверенность и пуститься в творческий путь. Очень важно в начале творчества не сломать светлое восприятие мира и непосредственное, ведь то, что подмечают дети, – особый взгляд на мир. Дети видят очень остро, и тот наив, который мы иногда считаем несовершенством, важно сохранить.

Работая в организационных комитетах различных выставок, иногда ощутимо чувствуешь явное вмешательство педагогов. Они, естественно, хотят помочь своим воспитанникам, но тут важна мера. И когда взрослый помогает, начинает править, то лишает детскую работу той непосредственности, которой она ценна.

Вообще в искусстве нет предела совершенству. Дали сказал: «В каждой ошибке есть что-то от Бога! Не спешите ее исправлять». Тем более это относится к детским работам.

Важно отметить, что общий уровень на протяжении нескольких лет снижается. Дети учатся рисовать. Получают призы. Но важно отметить провал в общей культуре. Ремеслу научить можно, но художник не может быть без культурного багажа. Просматривая конкурсные работы, часто видишь очень низкий уровень. Это телевизионные Покемоны, гламурные девицы и т.д. Это не вина детей, вина педагогов. Работы отбирают на конкурс учителя, значит – это их непрофессионализм. Дети у них не получают художественных навыков, они получают вредное образование. Копирование прививает детям прочное отвращение к творчеству. Занятия становятся обузой.

Для успешного образования нужен хороший ученик и хороший учитель. Учителю должно быть что сказать. Методики могут быть разные. Главное – чтобы учитель знал, к чему он ведет. Важны духовные и профессиональные категории. Вроде бы, очевидны достоинство и недостатки композиции, рисунка или колорита, но грамотно направить ученика в правильном направлении удается далеко не каждому преподавателю. Все это требует очень многих качеств от педагога.

Проблема кадров в школе, пожалуй, основная. Все упомянутые задачи плюс более чем скромная зарплата, да еще вынужденное сокращение времени на собственное творчество скорее отталкивают, а не привлекают многих художников. К тому же, не каждый художник способен стать педагогом, и даже те, у кого есть к этому призвание, поначалу элементарно не имеют навыка. Он приходит лишь с опытом работы. Важно развивать наставничество опытных педагогов над молодыми преподавателями. Сотрудничество многих школ с художественными отделениями институтов города дает хорошие результаты. Очень часто, еще, будучи студентами, ребята уже совершают свои первые шаги педагогов – и порой весьма успешно.

В городе начала свою реализацию специальная программа президента по поддержки молодых специалистов, в рамках которой в течение трех лет оказывается финансовая поддержка молодому педагогу. Сохранить и дать дальнейшее развитие преподавательскому составу художественных школ помогают такие городские проекты, как «Летняя творческая школа», «Педагогические ассамблеи» и ежегодная городская выставка педагогов «Волшебная кисть». Необходимо внедрить проект «Мастер-классы для педагогов» (двухнедельная пленэрная практика для преподавателей с приглашением ведущих специалистов в области изобразительного искусства). Опыт Уфы, где такой проект проводится уже много лет, показал высокие результаты. Подобный проект был бы очень полезен как для опытных педагогов, так и для молодых. В такой форме творчества и учебы развивается цеховая солидарность, появляется возможность для творческого роста, для освоения новых приемов и техник в изобразительном искусстве.

Большую роль в работе школы играет выставочная деятельность. С детства ребенок привыкает видеть рядом со своими работы других учеников, получает возможность сопоставить свое раннее творчество с возможностями других детей, научиться радоваться чужому успеху и заодно анализировать, что ему самому следует развивать, чтобы достичь высокого результата. Наконец, проще прийти к выводу, почему и в чем нужно прислушиваться к педагогу – не каждый ребенок сразу будет следовать назиданиям учителя, в ком-то слишком развит дух противоречия, озорного неповиновения, которое мешает сосредоточиться. Большинство опрошенных педагогов полагают, что участие ребенка с раннего возраста в выставках (школьных городских, областных и т.д.) оказывает большое влияние и стимулирует творческий рост ребенка.

Удачным опытом в Тольятти являются конкурсы городского рисунка «Радужка», «Детские ассамблеи искусств» и передвижные выставки различных школ. Конечно, в городе не хватает выставочных залов, которые необходимы при каждой художественной школе – такие, как при Лицее искусств и Художественной школе имени И.Е. Репина, а также необходимо  финансирование для издания каталогов и альбомов по детскому творчеству.

Главная задача в художественном образовании на сегодня – сохранение традиций и духовных уставов нашего национального изобразительного искусства. Сегодня нередко можно услышать, что реализм отжил свой век, жизнь диктует новые правила не только в науке и технике, но и в изобразительном искусстве. Что ответить на это ученику? Необходимо объяснить, что великие художники авангарда 1910 – 1920-х годов были, прежде всего, великолепными мастерами, умели все, владели всем: рисунком, формой, цветом, пластикой, и это отлично просматривается во всех их «беспредметных» вещах. Ученик должен понять, что, только овладев профессиональным академическим мастерством, которым владели и Татлин, и Малевич, и Пикассо, можно творить что хочешь. Поэтому так своевременно в нашем городе появился конкурс по изобразительному искусству имени И.Е. Репина, который не только выявляет все проблемы методики преподавания изобразительного искусства, но и служат повышением профессионального уровня педагогов благодаря курсам повышения квалификации, проводимым в рамках данного конкурса.

Наше искусство многонационально и многогранно. В этом его сила и духовное могущество. Это обязывает нас сохранять традиции и развивать перспективные ростки нового. Ученикам необходимо сначала открыть традицию. Они должны изучать историю искусств России, Европы, мира. И только после этого мы сможем помочь им выразить свое отношение к миру. Мы часто оказывается свидетелями того, как в головы молодых художников сразу пытаются заложить так называемую «современность», игнорируя изучение традиций. Что может быть страшнее самовыражения пустого безграмотного художника?

Марина Александровна  Фрейдлина,
директор МОУ ДОД  «Детская художественная школа «Керамика»,
руководитель проекта «Летняя творческая школа»,
методист научно-методического центра художественного образования 
МОУ ВПО «Тольяттинский институт искусств»

Содержание

НАУЧНО-ТВОРЧЕСКАЯ КОНФЕРЕНЦИЯ:
«ПРОБЛЕМЫ, ТЕНДЕНЦИИ И ПЕРСПЕКТИВЫ РАЗВИТИЯ
СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА В ГОРОДСКОМ ОКРУГЕ ТОЛЬЯТТИ»

Опыт Тольяттинского художественного музея

Немного о создании нашего музея: художественный музей был открыт в 1987 году как филиал Самарского художественного музея, с февраля 1994 года получил статус муниципального учреждения культуры. Первая коллекция музея сформировалась благодаря поступлению из РОСИЗО Министерства культуры СССР, в основном это живопись и графика второй половины ХХ века. Концепция музейного фонда – художники России, Поволжья, художники Тольятти, наивное искусство, произведения художников городов-побратимов из Германии, Китая.

В фондах нашего художественного музея хранится немало прекрасных произведений графического искусства – например, серия иллюстраций Мюда Мечева к «Повести временных лет», графические листы народного художника Станислава Михайловича Никиреева, в коллекции музея находятся живописное полотно и графические листы хорошо известного в России и в Европе художника-философа Максима Кантора. В 2004 году в Тольятти состоялась его выставка под названием «Пустырь. Атлас». Эта выставка для нашего города стала настоящим событием не только в художественном плане, но и в общественной жизни. В этом году выставку Максима Кантора запланировано провести в Самаре и Тольятти.

Коллекцию живописи представляют такие имена, как Всеволод  Михайлович Петров-Маслаков, заслуженный художник РСФСР, народный художник России; Михаил Сергеевич Омбыш-Кузнецов, заслуженный художник России, профессор Новосибирской архитектурно-художественной академии; Игорь Михайлович Орлов – московский художник, мастер романтического русского пейзажа и многие другие известные художники второй половины ХХ века.

Музей принял эстафету от областного художественного музея, и музейная коллекция исторически сложилась так, как она сложилась. Базовые функции любого музея – собирание, хранение, изучение и представление культурных ценностей. В музейном фонде сформирована коллекция тольяттинских художников, в 1991 году в музей поступили произведения из краеведческого музея, затем коллекция пополнялась по дарственным от художников, и c 2003 года мэрия г. Тольятти стала финансировать закупки в фонд художественного музея. Коллекция подбиралась таким образом, чтобы показать стилистическое и жанровое разнообразие произведений  тольяттинских художников. В последние годы коллекция «Художники Тольятти» пополняется с выставки-конкурса «Художественное произведение года».

В музее нет постоянной экспозиции, работать в хранилищах с музейной коллекцией  по отбору и описанию произведений очень сложно.  Музей – это юридическое лицо, его работа строится на основании устава, нормативных документов, плана, есть прейскурант услуг и цен, ведется отчетная документация.

Кроме выставочной и фондовой работы сотрудники музея работают с посетителями, ведутся переговоры по выставочной деятельности, масса текущей работы, в течение года организовываются  внеплановые выставки, передвижные выставки. Проводятся выставки-продажи картин тольяттинских художников в банках города, музей сотрудничает с библиотеками, с тольяттинскими предприятиями, школами, вузами.
Наш музей неоднократно приглашается для участия в выставке Московского международного фестиваля наивного искусства и творчества аутсайдеров «Фест-наив», в этом году произведения из фондов побывали на выставке в Москве и Иваново.

С 2005 года работает попечительский совет, у музея появилась возможность показывать больше привозных выставок, при финансовой поддержке совета проходят интересные проекты. Например: из частной галереи «Северная столица» была представлена выставка современного искусства художников Санкт-Петербурга; из фондов Кировского областного музея имени Васнецовых было представлено две выставки: современное искусство Италии и графика Юрия Васнецова; из Государственного музея г. Ирбита в Тольятти прошла выставка «От Дюрера до Гойи», где был представлен целый пласт графических листов начиная с XV века; в 2007 году наши горожане смогли познакомиться с творчеством Зураба Константиновича Церетели.

Музей предоставляет свою выставочную площадку для авторских выставок и отчетных союзных выставок согласно положению о платных услугах, согласно договору и плану очередности. Заявки от художников в экспозиционно-массовый отдел принимаются за год, но очередь на выставочную площадку по адресу: бульвар Ленина, 22 растянулась на 2 года.

Сложная ситуация сложилась в городе с выставочными площадями: их недостаточно и принять всех желающих показать свое творчество на музейной площадке мы не в состоянии. Для дальнейшего развития музея и решения многих проблем по сохранению экспонатов и привлечению новых зрителей необходимо современное музейное здание, необходимо расширить выставочное пространство, а в выставочном зале на бульваре Ленина планировать союзные выставки.

В городе зарегистрировано три объединения союза художников. Художнику необходимо позиционировать себя и свои объединения, демонстрировать свои последние работы или весь творческий путь.

Чтобы вызвать интерес специалистов, общества к творчеству художника, следует открыть персональную выставку в залах галереи или в музее, недаром искусствоведы отмечают, что у каждого художника должна быть индивидуальность, а не просто ремесло. Очень важно, чтобы  художник как человек был не только эстетом, у него должна быть этика. Художник своим искусством вызывает «чувства добрые», в современном искусстве  художник в нетрадиционной манере выражает свое видение мира или творит ради искусства – «Искусство ради искусства». Для творца необходима также врожденная потребность в поиске и создании новых эстетических гармоний, чтобы сформировалась разносторонняя творческая способность, также необходимы такие качества, как решительность, волевые качества, трудолюбие, упорство, лабильность.

Молодое поколение наших художников не растрачивает свои творческие способности по пустякам, работает, выставляется. Многие наши художники  из союзов хорошо известны за пределами города и области.

В сентябре 2007 года в Выставочном центре Московского объединения союза художников прошел «круглый стол», обсуждалась очередная тематическая выставка союза и шире – современное состояние традиционного изобразительного искусства в России. Обсуждались многие вопросы, которые есть и в нашем городе, в плане выставок – профессиональных, полупрофессиональных. Обсуждались  вопросы  об арт-рынке, об активном продвижении в стране актуального искусства, современного искусства, о выживании  творческих союзов, развивающих традиционное изобразительное искусство. Было высказано такое наблюдение, что в Москве актуальное искусство позиционирует себя более активно, современное искусство развивается динамично и, в отличие  от  традиционного искусства, они оказались жизнеспособными.

Да, московским художникам в плане выставочной деятельности легче, чем нашим, там огромное количество выставочных залов, галерей, музеев и музейный филиалов, там большое количество частных арт-галерей. Радует, что у нас в Тольятти появляются частные галереи, есть несколько профессиональных галеристов, которые работают на российском уровне. В данное время музеем и двумя частными галереями обсуждается совместный проект.

В дальнейшем Тольяттинский художественный музей будет больше представлять выставок из коллекции других музеев, частных галерей и создавать тематические выставки из собственных фондов.
Общественные объединения художников свое творчество могут представить на отчетных выставках и на выставке «Художественное произведение года».

Марина Викторовна Баранова, 
директор МУК «Тольяттинский художественный музей»

Содержание

НАУЧНО-ТВОРЧЕСКАЯ КОНФЕРЕНЦИЯ:
«ПРОБЛЕМЫ, ТЕНДЕНЦИИ И ПЕРСПЕКТИВЫ РАЗВИТИЯ
СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА В ГОРОДСКОМ ОКРУГЕ ТОЛЬЯТТИ»

Современное искусство в контекстах

Добрый день, дорогие друзья, я очень рада принимать участие в этой конференции. Мне очень приятно, что здесь представители самых разных  областей: это и художники, искусствоведы, представители властных структур. На самом деле очень важно подойти к партнерскому диалогу, и партнерство будет сегодня ключевым словом. 

Начать работу в отделе современного искусства в Самарском художественном музее (конец 90-х) хотелось с громких амбициозных проектов, которые могли бы познакомить публику с основными тенденциями в современном искусстве и ключевыми авторами, тем более что информации тогда было крайне мало.

В Москве на конференции я познакомилась с Андреем Ерофеевым, который работал над большим проектом «История в лицах» и искал партнеров в региональных музеях. Все начало складываться, но та реакция, которую вызвала «эта прививка современным искусством», превзошла все ожидания. Гневные статьи, брань, переходящая в ругань, а следующая выставка «Безумный двойник» вывела на площадь демонстрантов с лозунгами «Выставку вон из города» и многим другим. Тогда это был шок, обиды, которые позднее заставили взглянуть на эту ситуацию под другим углом и иначе простроить политику отдела современного искусства. Сменилось время, и публика увидела для себя новую опасность в этом «заумном, далеком от проблем текущего дня» искусстве, в котором ей предлагалась привычная роль статиста в изменившихся декорациях. Это навело на размышления о том, что важным компонентом инициируемых проектов должна стать включенность публики в происходящее, другими словами – интерактивность.

Своеобразно то, что музей оказался в очень интересной ситуации: с одной стороны, зрители ждали привычного и знакомого, «хотели увидеть ту же работу на том же месте спустя много лет». А с другой стороны – внимание привлекает новизна, актуальность, публика не хотела чувствовать себя в роли  статистов, а хотела быть действующим лицом происходящего. Для нас, музейных работников, возникла проблема, как найти баланс между этими полюсами. Как правильно построить работу с публикой, какие найти новые формы и как, используя музейные ресурсы, говорить о проблемах, волнующих сегодняшнего зрителя, а не только узкую кучку профессионалов, и как привлечь в музей нового зрителя.

В  2000 году на базе СХМ мною был реализован международный проект «Арт-проводник» с участием польских и английских коллег для детей, нуждающихся в социальной (приют и социальная гостиница для безнадзорных детей) и психологической (пациенты речевого отделения) реабилитации.

Мы преследовали несколько  целей: с одной стороны, создать ситуацию для междисциплинарного взаимодействия медицины, педагогики и искусства  в  едином пространстве, подчиненном общим задачам; с другой – используя возможности современного искусства как своего рода адаптационного  контакта, привести ребенка к более полноценной коммуникации с миром, используя его  внутренние  ресурсы.

Российские музеи, в отличие от западных, довольно плохо готовы к работе с людьми с ограниченными возможностями. В авангарде этого движения находился петербургский Русский музей, который начал свою  деятельность в 1991 году. Сейчас подобные практики существуют в    различных музеях в Энгельсе, Тольятти, Петрозаводске и  т. д.

Результаты нашей работы показали необходимость ее продолжения, в том числе с этой категорией детей, т.к. именно они страдают от отсутствия доступа к практически всем культурным ресурсам. В 2001 году мы продолжили работу над этим проектом и провели Мастерские на базе областного специального лицея-интерната и приюта. Для меня как представителя Самарского художественного музея был новым и важным, с одной стороны,  выход нашей институции к социально значимым проектам, а с другой – попытка использования ресурсов музея для  творческого диалога с детьми. 

Следующий виток работы в этом направлении можно было определить тезисом «От арт-терапии – к коммюнити-арт». Это дало нам возможность  расширить пространство действий до масштабов старой части города и попытаться обратиться к теме взаимоотношений человека и его окружения, города, места, где он  живет.

Этим этапом стал международный проект «Прогулка по пересеченной местности». Визуальные знаки города, реклама, объявления, граффити, памятники прошлого, следы разрушений и реконструкций образуют многослойный текст, подобный тексту сновидений и требующий своей  расшифровки. Эта  игра знаков заполняет область обыденного и, оставаясь  игнорируемой или незамеченной, порождает разочарование и безразличие по отношению к окружающему нас пространству. В процессе работы над проектом мы пытались создать ситуацию для диалога художников с городским пространством и контекстами. Ситуация внутри каждого проекта была открытой, и зрители имели возможность принимать участие в действии в самых различных формах. В финале у нас получилась экскурсия-экспедиция по городу в сопровождении краеведа. Перемещаясь от одной художественной  ситуации к другой, мы погружались в историю города, его мифы и культуру; останавливаясь, мы пытались актуализировать прошлое.

Еще один проект, о котором мне бы хотелось рассказать, это проект «Трасса», реализованный в 2001 году в художественном музее. Отправной точкой в формировании корпуса идей вокруг этого проекта стало осмысление местонахождения Самары как мощного транспортного узла на пересечении водных, железнодорожных и автомобильных магистралей, что способствовало активной циркуляции людских потоков. Ситуация существенно изменилась к рубежу 80-90-х годов. Возникновение целого ряда новых независимых государств стало причиной резкого обострения проблемы беженцев на территории бывшего СССР. С 1992 г. через Самару прошло свыше 70 тыс. человек. Для многих из них город стал постоянным местом жительства. Изменение этнической карты и возникновение в связи с этим целого комплекса проблем стало темой наших размышлений.

Принимая во внимание весь блок вопросов, проект изначально строился на определенной двойственной позиции: с одной стороны, желание поработать с актуальной темой, а с другой – попытка перевести процесс артикуляции проблемы в чисто художественный контекст.

Общая стратегия проекта строилась следующим образом: войти в ситуацию «беженцев-мигрантов», провести своего рода инспекцию чужой территории и поделиться «опытом присутствия». Для художников в то время  эта ситуация являлась вполне органичной, ибо для них во многом актуальны были разного рода исследовательские практики, где они не конструировали новые миры, а анализировали уже существующий, пытаясь посмотреть на него с позиции некоего политического деятеля, ученого или просто заезжего туриста с «незамыленным» взглядом». Получилась очень интересная выставка в музее, которую предварял зал контекста, где зрители могли погрузиться в историю этого вопроса в мировом, общероссийском и Самарском контекстах.

В проекте «Контуры семьи» было очень много нового для меня – начиная с необычной формы работы внутри проекта, где произведение возникало из диалога публики и художника (реализация проекта длилась год); с самого начала я не предполагала, что возникнет в финале и будет выставлено, и конечно – жесткая локализация аудитории до четкого адреса «семья». Нам хотелось найти такой подход к этой теме, который спровоцировал бы  участников на создание коллективного образа своей семьи, используя значимые для ее членов вещи, любимые  предметы, фотографии  и  т.д. Очень   важно,  чтобы   семья  оказалась  в  ситуации оценки и выбора тех факторов, событий и вещей, значимых в ее жизни и которые она хотела бы сделать   достоянием культуры и жизни местного сообщества. Художники, работающие с этими семьями, должны выполнять роль дизайнеров, помогающих семье визуализировать в различных жанрах и техниках историю о своей семье (это могли быть ассамбляжи, видео-работы, инсталляции и объекты). Таким образом, работа художника строилась на материале культурного архива семьи. Вместе с архитектором Натальей Хахалиной было выстроено интерактивное пространство старого города с улочками и двориками, где у каждой семьи было свое пространство, куда можно было приглашать в гости и можно было общаться.

Одна из задач  галереи «Виктория» – продвижение молодых авторов, и в 2006 г. совместно с нашими английскими партнерами  Walsall New Art Gallery, University of Staffordshire, IKON Gallery, Chameleon Gallery и др. был подготовлен проект «Испытание свободой. Двадцать лет спустя». В рамках этого проекта была подготовлен выставка в Chameleon Gallery, где были представлены авторы А. Каллима (Москва), В. Логутов (Самара), А. Майшев (Самара). После распада Советского Союза прошло более пятнадцати лет, с начала перестройки – двадцать. За это время появилось новое поколение, сформировавшееся вне канонов советской системы. Позиция этого поколения интересна с точки зрения  актуализации перемен, происшедших в обществе, а с другой стороны, является репрезентацией их собственного выбора. В фокусе работы над этим проектом оказалась окружающая нас действительность, энергия факта и прямого видимого события. В средствах массовой информации наших стран существует недостаточно информации о культуре, образе жизни людей, часто угол зрения, под которым она подается, достаточно узок. В рамках проекта предлагается  несколько форматов  взаимодействия  с темой «свобода от… и  свобода  к…». 

Важным моментом стал тот факт, что эта позиция молодых художников дала возможность получить свежий взгляд на вещи через обращение к таким понятиям как: «несвобода» (от чего несвободен художник сегодня); география факта (территория, формирующая смыслы; смыслы, формирующие мифы и т.д.); перекрестки смыслов (прошлое – настоящее, свое – чужое, старое – новое и др.); «свободный художник» и табу в искусстве.

Наталья Васильевна Гончарова,
искусствовед, куратор, арт-директор галереи «Виктория»

Содержание